现代概论
从 15 世纪开始，西欧的发展速度是地球上任何其他文明都无法比拟的。推动这一现象的是一种以珍贵矿产和奴隶制为基础的残酷经济体系，同时也是一种新的科学思想，超越了使许多人陷入瘫痪的宗教偏见。
从拜占庭帝国的衰落（1453年）到法国大革命（1789年），现代时期延续了大约三百年。在西班牙，通常是在 1492 年，因为这一年有两个超凡的历史里程碑同时发生：一个是西班牙人征服格拉纳达，将第四个王国并入西班牙地图（卡斯蒂利亚、阿拉贡、纳瓦拉和格拉纳达），另一个是西班牙人征服格拉纳达，并吞并第四个王国（卡斯蒂利亚、阿拉贡、纳瓦拉和格拉纳达）。对于整个世界来说，欧洲和美洲之间的联系是超然的。1800年后，即19世纪，资产阶级开始与贵族分享权力时，现代将成为当代。
一些文化元素赋予现代连贯性：源自基督教的宗教（罗马、东正教、新教或改革宗等），装饰品味回归古典主义（总是自然主义的形象，源自希腊拉丁秩序的装饰）和贴身服装。
现代艺术概论
1425 年，希腊罗马古典主义回归，成为西方标志性的艺术文化：五个世纪的演变为其提供了支持。为什么是古典主义？是什么支持经典装饰优于其他装饰？绝对没有。正如约翰·萨默森在他的文章《建筑的古典语言》中承认的那样，我们缺乏解释。我们只能知道一种风格偏好在 15 世纪初在意大利作为一种地区艺术的复兴所产生的影响，而没有人知道为什么，这种风格在西方变得普遍。无论如何，这是一种不合理的艺术惯例，五百年来几乎是所有西方居民共同的秘密。
长期以来，在许多地方，无数艺术家捍卫和重新诠释古典主义，当我们试图分阶段系统化它时，古典主义被证明是难以捉摸的，因为它不是沿着单一、清晰的线条演变，而是画出树状的分支。面对如此广阔且多形态的全景，我们强加了一种介绍性的结构，将风格的基本阶段分开，并附加一些未驯服的分支或子风格。在每个阶段之后，我们都会指出可以找到扩展的章节。
（*注意：“现代艺术”是一个含糊不清的表达，因为它既可以指现代时代的艺术，即特定地理框架中的特定时间，也可以指现代运动的艺术，现代运动的艺术先锋派20 世纪。）
各学科的一般性
–具象艺术通过自然主义征服了生活的幻象，触及构成图像的所有形式元素：颜色、光线、透视、纹理。十七世纪代表了委拉斯开兹和维米尔等艺术家的这一理想的顶峰。
–服装以外的设计艺术 恢复了希腊罗马的装饰艺术，为欧洲比以往任何时候都更加富有的民间和宗教贵族服务：最大、最美丽、装饰雄伟的宫殿现在出现了。
–服装设计艺术开发出一种极其理想化且能凸显其所覆盖的身体的解剖套装。每个世纪，性别二态性都在增加，首先影响工艺，然后影响颜色和装饰，最后甚至影响面料。一般来说，对于男性来说，它夸大了背部的宽度、胸部、大腿和生殖器的光滑度。而对于女性来说，通过紧身胸衣和裙衬的严格基础设施，臀部的慷慨。服装的性信息从未如此明确。
现代古典主义的风格阶段
意大利或文艺复兴阶段→文艺复兴风格（1425-15 50）。
这个阶段可以被描述为意大利的，因为希腊拉丁文艺复兴发生在意大利，直到16世纪中叶才在其境外达到真正的超越。
设计 追求构图清晰，追求理性理解：模块化和和谐现在是不可触碰的原则。艺术家就像老师一样，愿意向我们传授他们作品的完整过程。
对于才华横溢的室内设计师来说，透视是一个令人着迷的工具。 斯帕达宫（罗马）画廊中的托斯卡纳秩序和三维错视画，博罗米尼的独创性，十七世纪。
让我们加上布鲁内莱斯基的伟大发明：圆锥透视法，这种方法以前所未有的方式改善了空间幻觉。这种乐器对于所有设计师来说都变得弥足珍贵，因为它邀请您创造出令人信服的错视画。意大利设计师从此成为透视大师。
形象提升了身体之美（圣塞巴斯蒂安和维纳斯被系统地绘制，西斯廷教堂成为世界上最大的裸体目录）。解剖学服装有利于这种以身体为中心的辩证法，并宣扬性别二态性。
根据阿马纳蒂（Ammanati，16 世纪）的设计，皮蒂宫（佛罗伦萨）的庭院装饰着精神分裂且俏皮的填充物。
矫饰主义阶段→矫饰主义风格（意大利，15 50 -162 5） 。
国际古典主义的第一阶段在法国、英国和西班牙一直持续到 1650 年甚至更久，其特点是对希腊拉丁装饰传统进行实验，寻找浮夸或富有表现力的解决方案。作为塑料和设计的美学理想的平衡追求被克服了。
由于数量和多样性，这种矫揉造作的品味被转化为装饰夸张的设计。在德国和法国，外墙、室内和家具都充满了装饰雕像（telamones、女像柱）。多样性和惊喜也很重要：耳廓图案暗示着隐约的动物形象，怪物在装饰剧目中出现。在西班牙，出现了一种同样夸张但冷静的风格：埃雷里安风格，修道院生活理想的具体化。
在形象方面，矫饰主义风格在过大的人物（米开朗基罗）或风格化的人物（埃尔·格列柯）的表现中被发现，尽管夸张可以进一步影响色彩甚至透视（丁托列托）。
当代服装是矫饰主义吗？也许高领和反复无常的体积风格，特别是在女性服装中，导致抹去了裙子下所有乳房的痕迹，在某种程度上与风格主义品味相协调。
枫丹白露宫的弗朗索瓦一世画廊是 16 世纪最浮夸、最异想天开的装饰，所有的艺术技巧都融为一体。特拉蒙看起来像色狼，勉强站立在从墙上排出的最小支撑物上，戏剧性地支撑着天花板横梁。
巴洛克阶段→巴洛克和洛可可风格（意大利，1625-17 75） 。
巴洛克风格 （1625-1725）
巴洛克风格是研究如何激发观众情感的结果：造型艺术消除了文艺复兴和风格主义风格的正交构图，而集中于对角线的构图：X、V等。动感是我们形容一个设计为“巴洛克”的必要条件；而不是过度装饰，因为这实际上在风格主义风格中更受欢迎。
真正的巴洛克设计很少，在 17 世纪的生产中所占比例很小，但在 18 世纪继续存在，并在 19 世纪（所谓的浪漫主义文化时期）有杰出的例子。
糕点的颜色和质地使Cuvilliés 的多汁洛可可风格更加甜美。奥古斯图斯堡宫（德国） 的涂层，十八世纪。
洛可可风格（1725-1775）
对角线的构成是洛可可设计的基础，但纹理，尤其是颜色发生了变化。巴洛克风格（栗色、金色、深灰色）的突然对比暗示着悲剧，被和谐的柔和色彩所取代。洛可可式设计 总体上表现出温柔和细腻的敏感度；对于某些人来说，还有女性气质。空间将变得亲密：舒适感与生俱来，从来没有设计过如此多、如此软垫的座椅家具和躺椅。弯曲的腿似乎在缓冲并亲切地收集用户，用户用精致的小花装饰自己漂亮的衣服。洛可可式有一个指导性的装饰主题：假山。
形象代表着求爱，在每一个设计对象中都可以找到：墙壁上的壁纸、瓷器装饰品或镶框画作；在餐具上、在玻璃上斜切或在盘子上涂漆；在家具上、在室内装饰上印刷或刺绣……
毫无疑问，洛可可最突出的特征是所有艺术之间的风格一致性，这种一致性在欧洲以前从未实现过，这在很大程度上是政府协调的艺术制造的建立的结果 。
巴勃罗·佩纳·冈萨雷斯 出版
